Glosario artístico: Términos que utilizamos en el mundo del arte

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¡Hola, artenautas! Aunque existan muchas formas de decir las cosas y de entendernos, queremos que utilices la terminología del mundo de las artes plásticas de forma correcta. Por eso hemos decidido realizar este glosario artístico, para que no se te escape ningún significado y aprendas la diferencia que existe entre unos conceptos y otros. Esperamos que lo disfrutes y te vuelvas todo un experto en la materia.

Glosario artístico

Para realizar nuestro glosario artístico hemos escogido 20 términos y los hemos dividido en 4 categorías. Pero esto no quiere decir que estos sean los únicos conceptos que debas entender, así que te animamos a buscar el significado de cualquier palabra que escuches en el mundo de las artes plásticas.

Términos artísticos:

  1. Arte conceptual: en esta corriente artística prevalecen las ideas y el concepto representado sobre la ejecución y la técnica. Dentro de este arte encontramos lí­neas de trabajo muy diferentes: body art, land art, process art, performance art, arte povera, …
  2. Arte figurativo: son aquellas representaciones reconocibles (se podría decir que es el antónimo del arte abstracto), aunque esto no quiere decir que deban ser obras realistas. Para que se pueda denominar una obra como arte figurativo, es necesario que se representen figuras identificables mediante imágenes reconocibles.
  3. Boceto o esbozo: se trata de plasmar la idea sin preocuparse mucho por los detalles, suele ser un apunte rápido de una idea que se desarrollará de forma más compleja posteriormente.
  4. Claroscuro: la tecnica del claroscuro es utilizada para destacar ciertos elementos, los dibujos claroscuros y como la palabra indica “claro oscuros” y su definición consistente en contrastar volúmenes: unos iluminados y otros más ensombrecidos.  El claroscuro ayuda a crear efectos de relieve y modelado de las formas, graduando los tonos lumínicos. Utilizamos el término claroscuro en equivalencia al “valor tonal” cuando, además, interviene el color.
  5. Composición: es la disposición espacial de los elementos que forman el conjunto de una imagen. Jugamos con ellos con el fin de obtener un equilibrio para lograr efectos determinados de lectura visual en nuestra imagen.
  6. Encaje: es el estudio de las formas exteriores de los objetos a través del dibujo. Nos sirve de guía para posteriormente trabajar los volúmenes a través de la luz y el color mediante la mancha. Trabajar los encajes de manera limpia y clara es imprescindible para que el dibujo sea lo más exacto posible.
  7. Escorzo: este recurso se utiliza para dar la sensación de profundidad. Se trata de la representación de una figura colocada de forma perpendicular u oblicua al lienzo. La ilusión de profundidad se logra acortando las líneas de la figura, siguiendo las reglas de la perspectiva.
  8. Valor tonal: cada color o tono tiene un valor dentro de una escala de mayor claridad a completa oscuridad, que podemos hacer equivalente al trabajar con el claroscuro. Cuando hablamos del valor tonal de un color, nos referimos a su grado de luminosidad.

Técnicas:

  1. Aguada: este procedimiento consiste en manchar el soporte con el color muy diluido en el medio principal de la pintura con la que trabajemos. Si la pintura tiene una base acuosa, se diluirá con bastante cantidad agua, y si es, por ejemplo, de base oleosa, se podrá disolver con esencia de trementina. Las aguadas logran efectos muy suaves y transparentes.
  2. Empasto: es una técnica que consiste en colocar la pintura, muy espesa, en capas gruesas y de manera opaca, logrando volumen y textura. Las pinceladas o los rastros de la espátula o la herramienta con la que se aplique suelen ser visibles.
  3. Técnicas mixtas: se trata de mezclar diversos materiales, existiendo infinidad de combinaciones y posibilidades. Por ejemplo, puedes trabajar con acrílico y óleo en una misma obra (siempre el acrílico en la base) o con carboncillo y barro; también puedes mezclar grafito, rotuladores y lápices acuarelables… El límite lo pones tú, pero, eso sí, ten en cuenta las propiedades de cada material, porque, por ejemplo, mezclar carboncillo y acuarela te puede traer muchas complicaciones.

Herramientas:

  1. Bastidor: es un soporte pictórico, usualmente de madera, que soporta y tensa la pieza de tela o la placa de madera en la que se pintará o dibujará. La función del bastidor es sostener y conseguir una buena tensión uniforme en todo el lienzo. Todos los bastidores tienen unidas las esquinas con ingletes, que tienen juntas con ranuras y espigas.
  2. Gesso: Es un material utilizado generalmente en el mundo de las Bellas Artes para imprimar soportes. Aplicándolo sobre las superficies porosas o absorbentes, conseguiremos un poro cerrado que no absorberá excesivamente la pintura y nos ofrecerá una mayor estabilidad de las propiedades del material pictórico que utilicemos. También puede cumplir la función de aglutinar los materiales de carga que queramos añadir al soporte para conseguir volumen en él. Existen diferentes composiciones en función de la técnica con la que vayamos a trabajar.
  3. Pigmentos: es el color en estado puro. Es decir: la sustancia empleada para teñir una pintura, independientemente de su composición húmeda o seca. El pigmento se añade al resto de componentes aglutinantes y disolventes de cada material pictórico para darle color. Un pigmento puede ser producido de forma natural o sintética (los pigmentos que se producen naturalmente, como los ocres y los óxidos de hierro, han sido usados como colorantes desde la era prehistórica). Cada pigmento tiene su nombre y su manera de obtenerse. Los hay más económicos o más exclusivos y difíciles de conseguir: por ejemplo, los pigmentos basados en cobalto o cadmio suelen ser más caros.
  4. Plomada: esta herramienta, basada en el sistema de un péndulo, es muy útil a la hora de encajar el dibujo.  Emplea la gravedad para poder establecer lo que es verdaderamente “vertical”.
  5. Tiento: se podría definir como una vara que posee, generalmente, alrededor de un metro de longitud, y suele estar hecha de madera ligera, terminada en una esfera cubierta de tela. El artista sujeta el tiento con la mano que no pinta y apoya el extremo contrario cuidadosamente en el soporte. De esta forma, usa a su vez el cuerpo del tiento como punto de apoyo para la mano o el antebrazo con el que pinta cuando está realizando la obra. Así, gana control sobre el pulso para las zonas de detalle.

Color:

  1. Armonía del color: es la teoría que estudia el equilibrio en la interacción de los colores que componen una escena o imagen. Existen correlaciones entre los tonos del espectro visible del color que usamos, su cantidad y su grado de saturación, que conviene tener en cuenta equilibrar, de manera que nuestras imágenes funcionen. Hay combinaciones armónicas del color y sistemas preconcebidos que tienen el cuenta la posición de cada uno de los tonos utilizados en el círculo cromático para lograr efectos de contraste, equilibrio o cualquier otra intención en la composición de la obra, en cuanto a color se refiere.
  2. Círculo cromático: con esta herramienta, también llamada rueda de color, podremos entender cómo funciona el espectro visible y cómo se pueden formar las mezclas que dan lugar a los diversos tonos que los humanos percibimos. Gracias a ella, empezaremos a ser capaces de mezclarlos, nombrarlos, saber describirlos y conocer las tendencias de cada uno de ellos. La versión básica del círculo cromático está compuesta por los colores primarios, cuyas mezclas en igual proporción dan lugar a los secundarios, y cuyas mezclas a su vez dan lugar a los terciarios. Las versiones complejas pueden contener cientos de tonos o matices entre ellos.
  3. Negros Ópticos: son tonalidades muy oscuras que pueden ser percibidas como negros y se utilizan para que la obra no pierda propiedades, ya que el verdadero negro no devuelve luz, sino que la absorbe prácticamente toda. Puedes saber más sobre los negros ópticos en este enlace.
  4. Tendencias frías o cálidas: Los tonos o colores se clasifican en fríos o cálidos. Para saber cuáles son, debes trazar una línea perpendicular en el círculo cromático (desde el verde lima al violeta): los que entren del lado de los amarillos y naranjas podremos considerarlos cálidos. Los que entren en la zona de verdes, azules y añiles serán considerados fríos. Los tonos cálidos nos recuerdan a las altas temperaturas, luz, fuego… En cambio, los fríos, nos recuerdan a la nieve, el agua, el cielo…
    Pero incluso los colores fríos pueden tener tendencias cálidas y los cálidos, tendencias frías. Las tendencias se refieren a los matices introducidos en un tono cualquiera, que hacen que ese color derive ligeramente hacia la cualidad contraria de su temperatura natural.
  5. Tonos complementarios: son aquellos que se sitúan enfrentados en el círculo cromático, es decir, el tono o color opuesto. Los colores se desaturan o agrisan cuando los mezclamos con su complementario. De alguna manera, podríamos decir que se anulan. Sin embargo, usándolos por separado sin mezclar, pueden potenciar el uno las cualidades del otro, cuando se combinan con equilibrio y acierto.

2 comentarios en “Glosario artístico: Términos que utilizamos en el mundo del arte”

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